Cine WiiTube

Cuando hace ya más de una década James Cameron se autoproclamó “el rey del mundo” al recoger sus Oscars por “Titanic” no podiamos imaginar dos cosas, una que se trataba de una despedida de 12 largos años y dos que volvería después de todo ese tiempo con la película que había prometido, una obra nacida de su megalomanía, un film apabullante y maravilloso, “Avatar”.

Durante mucho tiempo Cameron se encargaba de decirnos que su película necesitaba una tecnología muy concreta dotada de camaras de alta definición en 3D, de potentes efectos especiales y de mucha entrega y sacrificio por parte de todo su equipo, todo ello para dotar de vida y convertir su particular universo en real, y ya lo que creo que lo ha conseguido, Pandora y todos sus habitantes “son reales”, cada elemento ha sido cuidado al detalle, vegetación, geografía, animales, cultúra, es un placer deleitarse con la riqueza visual que ofrece su visionado.Un querido amigo y un servidor siempre hemos estado de acuerdo en algo, James Cameron es el Cecil B. Demille de nuesto tiempo, al igual que el realizador de “Los Diez Mandamientos”(1956) Cameron conserva todo el espiritu de Hollywood, del espectaculo en toda regla y ofrece en cada uno de sus films un viaje a otro mundo, realmente consigue el efecto más maravilloso que un espectador puede tener al terminar una película, es aquel en el que todos volvemos a la realidad al salir de la sala y nos entristece que la experiencia haya acabado, eso solo lo consigue el cine de verdad.

Insistía Cameron en que su película había sido concebida en 3D y por lo tanto para poder disfrutarla en todo su esplendor así tenía que ser vista, no podía tener más razón, como buen cinéfilo abierto a nuevas experiencias y siguiendo las indicaciones de “el rey del mundo” asistí al glorioso estreno para verla en este formato, desde el primer fotograma no sales de tu asombro y no paras de preguntarte como han podido hacerlo, en fin, Cameron tiene la respuesta.El mayor logro de esta película, bajo mi punto de vista, es el personaje de Neytiri, la heroina de los Na´Vi es todo un espectaculo, ver sus gestos, su mirada y todos los detalles y profunidad que ofrece su actuación es impresionante, es alucinante como éste y todos los Na´Vi parecen reales, transmiten emociones, muhas más de las que algún actor de carne y hueso querría.

Partiendo de un guión sencillo pero no por ello pobre, Cameron narra como bien sabe, de él tendrían que aprender otros que andan por ahí aspirando a su trono como Michael Bay o Roland Emmerich, es una historia contada a la antigua, un cuento de hadas con el que lanza un mensaje moral y ecologista, un universo el suyo donde los humanos intentan destruir un hermoso planeta y donde sus habitantes tienen ciertos paralelismos con las diferentes étnias que pueblan nuestro mundo actual y que viven discriminadas en ese lugar al que llamamos “tercer mundo”.En su tematica y concepción me recuerda a “The Abyss”(1989), mi película favorita de la filmografia de James Cameron, una joya de la ciencia ficción que nadie debería perderse, ambas son ambiciosas, revolucionarias, y comparten esa lectura con la que el realizador trata de remover conciencias e impedir la destrucción de nuestro mundo, algo encomiable conbinar espectaculo y mensaje.

Solo puedo añadir una cosa más, quiero más “Avatar”, deseo que el cine siga siendo un lugar donde los sueños se hacen realidad, experiencias tan maravillosas como esta así lo confirman, espero que la magia no nos abandone, James Cameron ha prometido continuar la historia si el éxito acompaña, de eso no me cabe duda, de modo que espero que así sea muy pronto, si hay algún terricola que subestime la maestria de este director y ose no ir a ver esta película se estará perdiendo algo muy básico, la definición de en qué consiste esto del cine, allá ellos.

CALIFICACIÓN : 10

                          RUSSELL CROWE                                                         RIDLEY SCOTT

El próximo mes de mayo de 2010 llegará a las pantallas la última película de Ridley Scott, autor imprescindible y responsable de ”Alien, El Octavo Pasajero”(1979), “Blade Runner”(1982) o “Gladiator”(2000) por citar algunos films de su extensa filmografia.Después de “American Ganster”(2007) y “Red de Mentiras”(2008) lo que nos trae en esta ocasión es una nueva versión del mito de Robin Hood, como viene siendo haitual le acompaña su fiel amigo Russel Crowe quien mostrará un personaje más heroico, más guerrero, sin las entrañables mallas verdes de antaño, como las que lucia en ”Robin de los Bosques”(1938) el genial Errol Flynn, obra maestra y hasta la fecha mejor adaptación de este mítico personaje dirigida por Michael Curtiz y William Keighley con espectacular música de Erich Wolfgang Korngold.

El primer trailer ha sido distribuido por Universal Pictures y la verdad es que pinta muy bien, desde luego se nota que Scott está tras las camaras, su estilo visual es inconfundible, cabe destacar que el papel de Lady Marian es interpretado por la siempre genial Cate Blanchett, una actriz que haga lo que haga lo borda y por la que tengo debilidad, en el reparto también tendremos a veteranos ilustres como William Hurt o Max Von Sydow.El guión ha sido escrito por el prestigioso guionista Bria Helgeland, ganador de Oscar de la academia por “L.A. Confidential”(Curtis Hanson,1997) y nominado por “Mystic River”(Clint Eastwood, 2003), de la música se encarga Marc Streitenfeld, un joven músico al que sigo la pista y que repite con Ridley Scott, espero que nos brinde un score como merece una película tan esperada.

Llega la película más esperada de los últimos tiempos y con ella millones de espectadores acudirán en masa para presenciar la que, según su realizador, es la experiencia definitiva en formato 3D, uno de los elementos más esperados del mastodóntico film de James Cameron es su música, lo devotos de los scores cinematográficos estabamos deseosos de que llegara a nuestros oidos la partitura de James Horner, entre otras cosas para comprobar si el compositor norteamericano era capaz de resurgir de sus cenizas tras muchos años denostado por su falta de creatividad. Teniendo en cuenta la oportunidad brindada por su fiel amigo Cameron y lo que se ha hecho esperar el resultado lo que encontramos no hace sino confirmar  desgraciadamente todos los malos augurios de los que hace tiempo dejamos de creer en Horner, un fatal desenlace hunde a este autor en la ”segunda división” ya que tras escuchar su partitura la sensación es de que estabamos en lo cierto y su “Avatar” no está a la altura de las circunstancias, convirtiendose en un “deja vu” de los que hacen época.

Solo puedo entender que Cameron haya confiado, una vez más, en Horner por un incondicional amiguismo o porque el realizador de “Titanic” sienta una incomprensible pasión por su música, de otro modo no hay manera de explicarselo, después de más de una década sin dirigir confiaba en que este ambicioso director ofreciera el trabajo a algunos de los pesos pesados de la industria.La primera impresión tras la escucha es de desagradable asombro, me costaba dar credito a la falta de originalidad de esta obra, me sentí irritado porque en lugar de crear algo convincente, de dotar de personalidad la partitura, lo que ha hecho Horner no es más que un refrito que suena como recien salido de la coctelera, las reminiscencias de “Braveheart”(uno de sus mejores scores), “Titanic” o “El Nuevo Mundo”(otra obra interesante) son más que evidentes, por lo tanto es imperdonable.

Bien es cierto que cada compositor tiene su estilo, que Danny Elfman suena Elfman, que Thomas Newman suena Newman, que Alexandre Desplat suena Desplat, etc. pero hay una gran diferencia, algo que los distancia de este autoplagiador descarado y es la personalidad que imprimen en sus proyectos.La partitura de “Avatar” es un quiero y no puedo, para los que no esten familiarizados con la música de Horner puede resultar atractiva e incluso destacable pero es algo engañoso, seguramente acompañe bien a las imágenes pero no es suficiente, no hay una tema principal destacable, no hay emoción, solo rutina.El disco que se ha editado contiene 14 cortes, de los cuales el último es la habitual concesión que hace siempre Horner a sus manidas canciones para acompañar los titulos de crédito y hacer más caja, en el resto recurre a una pobre orquestación carente de matices, sintetizadores y voces para tratar de dar un aire étnico al mundo y habitantes de Pandora, lo cierto es que lejos quedaron ya los tiempos en los que el señor James Horner compuso obras maravillosas como “Krull”, “Aliens, El Regreso”, “Fievel y el Nuevo Mundo”o “Willow”.

En conclusión, la mayor oportunidad de su vida perdida, que nadie se llame a engaño, esta partitura está a años luz de otras editadas en 2009, por poner un ejemplo se me vienen a la cabeza “Agora” de Dario Marianelli y “Luna Nueva” de Alexandre Desplat, obras maravillosas y ejemplares nacidas de dos de los mejores compositores que existen actualmente en el mundo del cine, solo me queda hacer volar la imaginación, cerrar los ojos y pensar como hubiera sido “Avatar” con la batuta de un James Newton Howard.

COMENTARIO AÑADIDO DESPUÉS DE VER LA PELÍCULA:

Todo el score funciona muy bien en la película pero, como adelanté en mi primera crítica, en su escucha aislada se resiente por ser demasiado previsible, los defensores de Horner la han recibido con entusiasmo, lo entiendo teniendo en cuenta sus pobres trabajos anteriores, por lo que a mi respecta he subido la nota del 4 a un aprobado justo porque reconozco que tras ver el film probablemente Cameron encontró lo que buscaba para su narración y Horner ha conseguido un efecto positivo en el espectador, el de la sensación de que todo funciona aunque sea con elementos muy trillados, sigo pensando que no es suficiente para un compositor que siempre ha aspirado al trono aunque ha servido para tan complicada empresa, sobre todo por la maravillosa experiencia que supone ver esta película.

CALIFICACIÓN : 5

Hay directores que por su manera de entender el cine no dejan indiferente a nadie, debido a ello aparece siempre una legión de seguidores a su favor y detractores capaces de odiarlos hasta el resto de sus días, a este “selecto” grupo de realizadores pertenece Darren Aronofsky, un neoyorquino que llamó la atención de muchos en 1998 con “Pi” y que más tarde cimentó fama, premios, elogios y desprecio por “Requiem por un sueño”(2000).Descubrí a Aronofsky con una maravilla titulada “La Fuente de la Vida”(2006), película de la que ya hablaré en profundidad y de la que escribí hace meses de la antológica música compuesta por Clint Mansell, el visionado de ésta supuso un gran impacto en mi, había oido hablar del autor de “Pi” pero no me sumergí en su filmografía hasta ese momento, después de ello corrí como un poseso a ver “Requiem por un sueño”, compré el dvd en la Fnac y me dispuse a ver el resultado, he aquí mis impresiones.

Aronofsky trata el material que tiene en sus manos como si del mejor cirujano se tratáse, disecciona las piezas y las monta a su antojo, en esta ocasión para crear una atmosfera angustiosa y desasosegante que cree en el espectador la caida a los infiernos de los personajes que forman la historia, el camino de la autodestrucción a causa de la droga.Basada en la novela escrita por Hubert Selby jr. “Requiem por un sueño” es un torbellino de imágenes impactantes que la convierten en una montaña rusa donde el espectador no tiene más remedio que retorcerse en su butaca, el director concibe su desarrollo como la propia droga que destruye a sus protagonistas, unos magníficos “yonkis” interpretados por Jared Leto, Jennifer Connelly, Marlon Wayans y, una sobrecogedora Ellen Burstyn, actriz que ganó el oscar por este papel, todos ellos son los titeres que maneja Aronofsky a su antojo.Habrá quien la propuesta de este singular director le pueda parecer exesivamente pretenciosa, no niego que su cine lo sea en cierta medida, pero particularmente creo que se justifica por dos cosas, una porque lleva al espectador a experimentar en cierto modo la tragedia que está narrando y otra porque este tio, aunque pese a muchos, tiene talento.También hay quien piensa que Aronofsky es uno de los cineastas más sobrebalorados que han surgido en los últimos años pero lo cierto es que sus propuestas, siempre arriesgadas, contienen momentos de buen cine, aplaudo por tanto a este y otros directores que no solo experimentan con la técnica narrativa para elevar su ego sino que tratan de contar una historia empleando para ello toda su imaginación en pos del séptimo arte, es, por tanto, (si no lo has hecho yá) hora de adentrarse en el enrevesado y apasionante universo de Darren Aronofsky.

CALIFICACIÓN : 7

Hoy, 30 de octubre de 2009, tenemos el placer de ver en pantalla grande “Mi Vecino Totoro”, film estrenado en 1988  y realizado por el maestro Hayao Miyazaki, he creido necesario ponerlo en conocimiento de todos los amantes al cine que visitan regularmente “este maravilloso blog” porque es, con letras mayúsculas, una obra maestra, es más, bajo mi punto de vista la mejor película de animación de todos los tiempos, este juicio es compartido por millones de seguidores devotos del cine de animación.No es ninguna casualidad que el mismísimo John Lasseter, jefafo y alma máter de los estudios Pixar opine lo mismo que un servidor, declarandose fan incondicional de Miyazaki elevando hasta un pedestal a nuestro querido Totoro.

Gracias a la distribuidora Aurum tenderemos la oportunidad de disfrutar de toda la filmografia de los estudios Gibli en DVD y Blu-Ray, lo que supone un acontecimiento esperado por todos los que soñabamos con que tarde o temprano se editaran films como “Nausicaa del valle del viento”(1984) o “Porco Rosso”(1992).Recomiendo de todo corazón que nadie se pierda esta joya de la que podéis leer mi critica publicada en meses anteriores dentro de la sección dedicada al cine de animación.

NOTA INFORMATIVA : la distribuidora encargada de la película ha limitado el estreno a 5 copias que podrán verse solo en Madrid y Barcelona, sin duda una lamentable noticia, a menos que lo solucionen en las próximas semanas el resto tendremos que esperar al lanzamiento en dvd y blu-ray previsto para el mes de diciembre.Os recuerdo que era una oportunidad única de ver esta maravilla en una sala de cine ya que aunque se trata de un film de 1988 jamás llegó a estrenarse en salas comerciales en nuestro país.Al parecer la intención de la distribuidora es la de que dichas copias circulen por el resto del territorio nacional, esperemos que sea cierto y vayan llegando a salas de otras ciudades para el deleite de todos los que la esperamos como agua de mayo.

   Kenny Ortega y Michael Jackson

Emoción contenida es lo que sentía antes de ver “This Is It”, el testamento artístico de Michael Jackson, no estaba seguro a lo que me tenía que enfrentar, un mar de dudas en cuanto al montaje final se apoderaban de mi, por un lado pensé que podría tratarse de un hábil producto censurado y manipulado donde se mostraría un imágen distorsionada  de Jacko, por otro conservaba la esperanza de presenciar un acontecimiento único y conmomedor, o lo que es lo mismo, un regalo para los fans y una despedia por todo lo alto de el artista más grande de todos los tiempos, así ha sido, Kenny Ortega aseguró antes del estreno que descubriríamos al hombre, al artista, al genio, a Michael como nunca antes lo habiamos visto.”This Is It” es una delicia, los fans de todo el mundo tenemos un gran regalo con el que mitigar la triste ausencia de Michael, durante el film podemos ver su desbordante capacidad creativa, es verdaderamente increible la cantidad de enormes y sabios consejos que aporta a todo su equipo, la ilusión que desprende y lo más importante, la humanidad, solidaridad y humildad de un hombre que aún estando por encima del bien y del mal en ningún momento se muestra ante los demás como un divo inalcanzable, todo lo contrario.Dificil es enfrentarse a un film de estas caracteristicas tan concretas, si bien es cierto que ha sido calificado de documental particularmente creo que es mucho más eso, se trata de una película única, basada en un material que debía haber sido el “making of” de los conciertos de Londres, además, si tenemos en cuenta el valor, tanto ecónomico, artístico y emocional del montaje realizado por Ortega y su equipo de editores, llegamos hasta la extraña conclusión de haber visto una rareza inclasificable que inmediatamente hace las delicias de todo aquel que se rinda ante la máxima expresión del arte.

Hay un momento que me llamó poderosamente la atención y que resume todo lo que Michael era como persona, durante uno de los ensayos parece ser que no estaba contento con el sonido, en particular el que llegaba a su oido por medio del auricular, él deja de cantar y la música sigue hasta que finalmente ésta se para, en ese momento Kenny Ortega pregunta a Michael qué necesita, qué ocurre, Michael pide disculpas a todos y explica que el sonido no es el correcto, que hay algún problema, Kenny trata de solucionarlo y mientras tanto Michael continúa disculpandose y disculpando a los responsables de sonido, insiste en que está convencido de que lo están haciendo lo mejor que pueden y que cuando algo se hace con amor nadie es culpable, sinceramente todo esto me impresionó muchísimo.Gracias a esta película podemos acercarnos a él, sentir como era realmente, un niño atrapato en cuerpo de hombre que come un chupachups mientras supervisa la filmación de los videos que se estaban preparando para acompañar a algunos de los temas más emblematicos de su carrera durante las actuaciones en el O2 arena de Londres. 

Me gustaria hacer mención especial a la puesta en escena de “Smooth Criminal” y “Earth Song”, por lo que tenemos la ocasión de ver parece que iban a convertirse en algunos de los momentos más impactantes del espectaculo, el primero por la inclusión de un montaje de video en el que Michael se convierte en protagonista de la película “Gilda”(1946,Charles Vidor), genial cuando Rita Hayworth le lanza el guante y él lo recoje, acto seguido huye de unos peligrosos gansters, impagable, en la segunda vemos a una niña que pasea por un hermoso bosque  cargado de vegetación y hermosas mariposas, un arranque ideal para lanzar un mensaje ecológico a nuestra conciencia a través de este pedazo de tema.Hay una cosa que sí eché de menos, el “moowalk”, en ningún momento vemos a Michael hacer su mítico pase de baile, ni tan siquiera cuando baila en “Billie Jean” ante la presencia de los entragadísimos bailarines elegidos por él y que formaban parte del show, en cualquier caso la película está cargada de detalles que no hacen otra cosa que elevar a Jackson a lo más alto, él no dejaba de insistir que quería hacer todo esto por sus fans y sus hijos, que quería devolver todo el amor que ellos merecían, que entre todos podemos hacer de este mundo un lugar mejor.

Para los que aún se atrevan a realizar algún tipo de comentario en contra les diré algo, aquí vemos a un artista en plena forma, bailando,cantando, coreografiando, dando indicaciones, enseñando, todo eso y mucho más, a pesar de que haya muerto hay algo de lo que hay que alegrarse, y es de que estuviera preparando este espectaculo, muy triste hubiera sido que hubiera muerto en el “olvido”, sin ningún proyecto entre manos, eso hubiera alimentado y dado la razón a muchos de que Michael ya no podía más, no ha sido así, Michael iba a sorprender al mundo con “This Is It”, el espectaculo más increible que jamás se hubiera visto, todas las entradas vendidas para los 50 conciertos, un equipo, o como él decía, una familia, cargada de ilusión ante tan magno proyecto, en definitiva, gracias a este film podemos garantizar algo, el tiempo ha dado yá la razón al “Rey del Pop”.THIS IS MICHAEL JACKSON, THIS IS THE MOMENT, THIS IS IT.

CALIFICACIÓN: 10

                                                                                   EL REALIZADOR SUECO LASSE HALLSTRÖM

La pluma de Nicholas Sparks ha conmovido a millones de lectores en todo el mundo, su éxito literario no ha sido ajeno en ningún momento a los productores de hollywood que fueron ávidos a la hora de hacerse con los derechos de sus obras para sus posteriores adaptaciones cinematográficas.Nadie a día de hoy creo que no haya visto alguna de ellas, en especial “El Diario de Noa”(2004,Nick Cassavetes), un film romantico, triste y hermoso de los que jamás de olvidan, recientemente también recibimos otra adaptación de una de sus novelas,”Noches de Tormenta”(2008,George C. Wolfe), protagonizada por una pareja irresistible formada por Richard Gere y Diane lane.Durante el primer trimestre del próximo año nos llegará la nueva película basada en una novela de Sparks, “Dear John”, uno de esas películas que todo enamorado querrá ver sin remisión.

El director encargado del proyecto es Lasse hallstöm, una apuesta segura para el texto que se adapta, este sueco afincado profesionalmente en Estados Unidos es un realizador más que interesante y con mucho oficio, su filmografía así lo demuestra, el nivel general de su obra ya lo quisiera más de uno, particularmente soy un incondicional de tres de sus películas, “¿A Quien Ama Gilbert Grape”?(1993), “Las Normas de las Casa de la Sidra”(1999) y “Chocolat”(2000), joyas que recomiendo encarecidamente.

“Dear John”, que a falta de su titulo definitivo en España espero que titulen “Querido John” y no cometan alguna atrocidad de las que nos tienen acostumbrados los distribuidores, narra una historia de amor clásica como a la antigua usanza, John conoce a su amada mientras disfruta de un permiso, el chico es militar, desgraciadamente tras el 11-S debe volver a filas y su chica acaba enamorandose de otro en su ausencia, ella trata de explicarlo todo a través de una carta, de ahí el titulo, vaya putada, ¿no?.Denorah Lurie, colaboradora y discipula del gran Danny Elfman es quien compone el score, ella ya trabajó para Hallström anteriormente en “Una Vida por Delante”(2005) y parece que poco a poco se está abriendo un hueco en el panorama de la música de cine.

El resultado lo veremos muy pronto, se espera que sea el estreno estrella en las fechas de San Valentín.

Desde la muerte de Michael Jackson he querido escribir un articulo rindiendo homenaje al que será para siempre el artista más grande la todos los tiempos, el problema es que su desaparición me afectó lo bastante como para no saber enfrentarme a redactar unas palabras en su memoria, así es, “El Rey del Pop” es una de las figuras más influyentes no solo para el mundo del espectaculo sino tambien para todos aquellos que, como quien suscribe, hemos crecido viendo la evolución de su arte, imborrable quedará en mi memoria, y seguro en la de la mayoria, el videoclip de “Thriller”, un antes y un después que marcó el devenir de la industria de la música y el concepto de narrar cinematográficamente una canción.

Michael Jackson tuvo que enfrentarse a lo largo de su vida a un asedio constante por parte de sus detractores, fué atacado vilmente sin compasión hasta el punto de llegar a hacer tambalear la carrera del artista y afectarle emocionalmente, por ello tuvo que abandonar para siempre su soñado rancho de Neverland, facil era ir contra “El Rey del Pop”, su mundo de fantasia cimentado por caprichos constantes, juguetes, parques de atracciones y niños eran carne de cañón para la prensa sensacionalista que no cesaba en su empeño de liquidarle a toda costa, lo cierto es que a pesar de todo ello no lo consigueron, el trono del más grande aún le pertenece y así será por siempre.

Desde 2001 Michael vivía sus años más dificiles, la salida al mercado del magnífico e infravalorado álbum “Invincible” acompañado de la traición de la compañia discográfica Sony Music, cuyos directivos, encabezados por el magnate Tommy Mottola, dieron la espalda a su promoción debido a diferencias con Jackson, marcaron su etapa más dolorosa, fué entonces cuando todo el mundo empezaba a darlo por muerto artísticamente, su silencio se prolongó por muchos años en los que, después de ser declarado inocente en aquel bochornoso juicio por supuestos abusos, se dedicó a criar a sus tres hijos.2009 era el año de su esperado regreso, para gozo de todos sus fans Michael Jackson comparecencia publicamente donde anunciaba una serie de conciertos a celebrar en el O2 Arena de Londres, la reacción no se hizo esperar y se vendieron de manera fulminante todas las entradas para los 50 conciertos que estaban previstos, algo solo al alcance Michael.

El fallecimiento truncó las expectativas y los sueños de millones de fans de verlo regresar a lo grande, AEG, empresa promotora de los conciertos no tardó en ver que el negocio aún estaba vivo y puso a la venta todas las horas de filmación de los ensayos del espectaculo “This Is It”, Sony fué quien pujo más alto y se llevó el gato al agua, con los derechos en la mano la gallina de los huevos de oro no tardaria en dar sus frutos.El resultado es el siguiente, el próximo día 28 de octubre se estrenará en todo el mundo la película basada en el montaje de los que iban a convertirse en los conciertos más grandes de la historia de la música, dirigida por Kenny Ortega, también coreógrafo y encargado del espectaculo, la película promete ser un homenaje al artista como nunca antes habiamos visto, desde luego yo seré uno de los millones de fans en todo el mundo que no se lo pierda, a pesar de que me duela enriquecer a Sony por todo lo que hizo sufrir a Michael durante años.Hace pocos días también tuvimos la ocasión de disfrutar de la canción inédita “This Is It”, otro regalo que vendrá incluida en el álbum de la película que se pone a la venta un día antes del estreno, un tema en el que los hermanos de Michael le acompañan en los coros.Solo me queda expresar una vez más mi dolor por su perdida y agradecer de todo corazón a Michael Jackson todo el placer que nos a dado durante tantos años, su música vivirá eternamente pese a quien pese, I Love You MJ.

Os dejo el trailer de la película y el tema inédito “This Is It”.

                            TRAILER “MICHAEL JACKSON´S THIS IS IT”

                                             TEMA INEDITO “THIS IS IT

                 ALEXANDRE DESPLAT

Por suerte para los fans de la saga Crepúsculo la decisión de los productores de contar con un nuevo equipo artístico para la continuación de la exitosa primera adaptación cinematográfica de las novelas de Stephanie Meyer se ha convertido, no solo en un soplo de aire fresco y nueva visión de la obra, sino también en una garantia de calidad teniendo en cuenta la aportación que se espera de alguno de ellos, caso de destacadísima relevancia me parece la contratación de Alexandre Desplat, a día de hoy el compositor francés es una de las figuras imprescindibles de la música de cine por meritos propios.

En la anterior entrega fué Cartel Burwell quien se encargó de escribir el score obteniendo un resultado muy pobre que incluso me atrevería a calificar de lamentable, cierto es que el compositor estadounidense no es santo de mi devoción pero es que en aquella ocasión no supo ni tan siquiera salir del paso, siendo incapaz de crear un sonido o melodia identificable a la película quedando su música diluida entre tanto vampiro.Esta razón seguro que no quedó ajena a la vista de los productores quienes decidieron no volver a contar con sus servicios, sabia decisión, tomando su relevo Desplat, el compositor, como cité recientemente aprovechando el estreno de el último film de Alejandro Amenábar, más en forma junto con Dario Marianelli que podemos encontrar en la actualidad.Mucho llevo siguiendo la pista de ambos en los últimos tiempos, Desplat, que es quien nos ocupa, me deslumbró con “El Velo Pintado”(John Curran,2006), desde entonces he esperado sus trabajos con mucha ansiedad.Durante estos días he tenido la fortuna de poder escuchar uno de los cortes de la partitura que ha escrito para “Luna Nueva”, concretamente una pieza titulada “The Meadow”, es tal el impacto que ha causado en mi que no he podido dejar de disfrutarla una y otra vez hasta perder la cuenta, la elegancia y delicadeza de Alexandre Desplat se puede sentir en cada una de sus notas, son 04:09 de puro placer, no exagero, una pieza hermosa, increible, perfecta, una autentica maravilla.

A falta de poder escuchar el resto del score para dictar un veredicto sobre la contribución de Alexandre Desplat a esta saga, de la cual es fan incondicional mi hermana, podemos deleitarnos con este anticipo que os dejo, razones tenéis para saber lo que significa la palabra música después de escucharlo.

Amenábar dirigiendo a Weisz                         O. Isaac, A. Amenábar, R. Weisz y M. Minguella

Dice a Alejandro Amenábar que su cine no trata de dar respuestas sino proponer preguntas, nada más acertado si nos ceñimos a su último y esperado film, “Agora”, la epopeya más grande a la que ha tenido que enfrentarse no solo el propio director sino el cine español en toda su historia, lo ambicioso del proyecto requeria un elevado presupuesto así como un gran derroche de dedicación, inspiración y talento.El camino ha sido largo y complejo, Amenábar quería trasladarnos al pasado, a una Alejandria en la que aún brillaba su faro, maravilla del mundo antiguo y que fué testigo de los terribles enfrentamientos que el hombre, en nombre de todos sus dioses llevó a cabo, provocando con ello rios de sangre, muerte y destrucción.En su afán de hacer de su película una obra seria, inteligente y compleja, donde la profundidad de sus personajes y el calado de su mensaje no dejaran a nadie indiferente, Amenábar y su fiel amigo y co-guionista Mateo Gil se han esforzado en recalcar el detalle, asistiendo como espectador a un fascinante viaje en el tiempo donde somos testigos de aquel maravilloso lugar cargado de sabiduria que fué la biblioteca de Alejandria.

Queridos/as amigos/as no estamos ante un telefilm de sobremesa, ni ante una película “palomitera”, no esperéis ver una de aventuras con batallas épicas, olvidáos de todo eso, “Agora” es una película cuya lectura es tan profunda y al mismo tiempo tan descriptiva del mundo actual que uno no deja de preguntarse si el hombre, a pesar de toda la tecnología y medios con los que vive hoy día, ha sido de capaz de evolucionar como especie, ¿o acaso todo lo que tenemos no es más que una ilusión que no nos hace ver lo que realmente somos? y es que la realidad no es otra que la propia que refleja la película,es decir, la de un mundo que sigue sufriendo, un mundo donde la esperanza no deja de esfumarse una y otra vez, un mundo donde creemos ser libres y sin embargo no siempre somos libres para creer, creer en los que nos plazca, porque, como dice el personaje de Hipatia, la hermosa astronoma interpretada por Rachel Weisz, a su antiguo alumno, ”Tú crees que en algo ciegamente y yo tengo que ponerlo en duda”.Así es, llegamos a un punto donde la fé y la razón se enfrentan y que, en lugar de poder llegar a entenderse parecen condenados a morir en el intento.

Tuve que necesitar bastantes horas de reflexión después de ver el film para sacar una conclusión clara y contundente, cierto es que casi no pude ni pestañear durante la proyección, la historia me pareció fascinante, el pulso narrativo y la técnica de Amenábar me abrumaron por completo, los actores muy bien, mención especial para Max Minguella, hijo en la vida real del desaparecido director Anthony Minguella, quien interpreta a Davo, me cautivó su mirada, su rabia contenida, ejemplo de que un actor no tiene por qué sobreactuar para labrarse una buena interpretación, por lo tanto hay quien se pregunte la razón por la que destacando todo esto mi veredicto necesitaba tiempo, os lo explico, como cité anteriormente, la profundidad de la película hace que se condensen muchos datos, planos, detalles, personajes, momentos, por lo tanto la reflexión era necesaria.Hipatia(Weisz), Davo(Minguella) y Orestes(Isaac) forman un triangulo donde covergen todos los caminos a donde nos lleva la historia, dos hombres que aman a la misma mujer, uno de ellos esclavo, otro condenado a gobernar y una mujer enamorada de la sabiduria, el conocimiento es su razón de ser de modo que no duda en aclarar a su padre que se siente libre por el mero hecho de poder aprender cada día más sobre nuestro propio mundo y el universo al que pertenece.

Es en la biblioteca de Alejandria donde Amenábar realiza el que es para mi el plano de la película, en plena destrucción de la misma la cámara gira sobre si misma hasta situar a los personajes boca abajo, con ello nos sugiere la desgracia del hombre, quien se atreve a reclamar libertad para luego utilizarla y robarsela a su semejante, dandole la vuelta al mundo una vez más y mostrando su más completa ignorancia, el realizador usa la técnica cinematográfica para narrar la historia y no fruto de delirios de grandeza, al menos es como lo interpreto, los planos donde contemplamos la tierra desde el exterior tambien me resultan acertados, parece como si las estrellas con las que sueña Hipatia o algún dios en cuyo nombre la humanidad libra una batalla eterna contemplaran la barbarie del hombre, la tierra no es más que un punto en el infinito y cada uno de sus habitantes pequeñas hormigas como nos sugiere el propio realizador en uno de los planos más discutidos del montaje.

Sobra decir que desde el punto de vista artístico la película es impecable, Amenábar y su equipo han empleado sabiamente el elevado coste de la producción, al mismo tiempo ha confiado parte de su trabajo en colaboradores de excepción, como es el caso de la música, es la primera vez que el realizador cede en esta labor ya que había compuesto él mismo los scores de sus cuatro películas anteriores, en un principio intentó por todos los medios contratar al gran John Williams pero, ante la imposibilidad del maestro, Alejandro se lo propuso a Dario Marianelli, sin ninguna duda el mejor compositor junto con Alexandre Desplat que ha surgido en los últimos años, ¿el resultado? absolutamente maravilloso, una partitura que merece ser nominada al Oscar, precisa, preciosa y llena de matices, resultado de la inspiradísima batuta del compositor italiano. 

Tras el primer visionado mi mente no deja de pedirme otro para exprimir del todo la experiencia, esta es de esas películas de las que todo el mundo espera una obra maestra porque de lo contrario se empeñan en lapidarla, cierto es que tal vez no lo sea debido a la falta de un empujoncito más que termine de redondearla, y es que la dificultad a la que se enfrentaba Amenábar le hacía correr ese riesgo, sostener la vertiente de la película más intelectual sin olvidar la más emocional le ha hecho abarcar demasiado consiguiendo grandes momentos al mismo tiempo que otros donde la densidad del conjunto se ha visto levemente perjudicado, en cualquier caso no cabe ninguna duda de que nos encontramos ante una gran película que todo el mundo debería ver, fiel reflejo de lo que la humanidad fué en tiempos antiguos, de lo que es actualmente y de lo que tal vez no sea jamás porque acabe por destruirse victima de sus propios errores, ignorancia y, lo que es peor, sus absurdas creencias que no hacen sino cegar a todo aquel que no es capaz de usar la razón y el diálogo, bien estaría recordar aquella cita de Karl Marx  que decía “la religión es el opio del pueblo”.

CALIFICACIÓN : 8´5